"Tubarão, caveira e borboleta", Damien Hirst, caneta Bic sobre caderno pautado, 2010

Quanto você já deixou de gorjeta num táxi? Por aqui, duas libras é o padrão. Foi exatamente o valor que o artista Damien Hirst deixou quando foi conduzido pelo taxista Jon Horsley, 40, há seis meses.

Quando chegou em casa, o motorista contou para o filho de 15 anos que havia transportado o artista famoso. O menino, que estuda cinema, disse brincando que no lugar da gorjeta o pai deveria ter pedido um desenho.

Pois não é que rolou… Eis que há duas semanas o mesmo taxista recebeu um chamado de Damien Hirst e assim que ele entrou no carro não titubeou em concretizar o pedido do filho. Durante os 30 minutos de corrida, Hirst rabiscou num caderno oferecido por Horsley ícones de seus hits: um tubarão, uma caveira e uma borboleta. Assinou e dedicou a L.J., as iniciais do nome do filho do taxista.

Nada de moldura dourada ou espaço especial na sala de jantar, o desenho de 29.5 cmX 41 cm, em caneta Bic sobre caderno pautado, de Hirst foi parar no eBay. O lance mínimo é de 1.500 libras e os leiloeiros esperam arrecadar até 5 mil libras (cerca de 15 mil reais) pela peça. Com a grana, o menino diz que vai financiar seu primeiro filme.

Se Damien Hirst achou ruim? Que nada. Damien sabe (e adora) que tudo o que leva seu nome vale um bom dinheiro. Por isso, vira-e-mexe ele entra nos sites de leilão para saber como pequenos presentes que distribui por aí, ou o seu trabalho, é cotado pela plebe rude.

Peggy em sua sala em Veneza, entre um mobile de Calder e um quadro de Picasso

Duas exposições, uma na Pinacoteca e outra na Estação Pinacoteca em São Paulo, há um bom tempo (sou péssima com datas) me colocaram de frente a dois artistas incríveis. Alexander Calder e Jackson Pollock. Os móbiles do Calder são impossíveis de esquecer, formas que brincam no ar, fortemente coloridas e tão suaves. Os broches que ele fez para a mulher dele… Quem deu o nome ao objeto pelos quais o americano ficou mundialmente conhecido foi o francês Marcel Duchamp (aquele da roda da bicicleta no museu), já que as peças não eram estáticas, eram “móbiles”.

E as pinceladas doentes de Pollock, impossível não sentir a angústia ou a fúria com que ele largava a mão para que a tinta jorrasse na tela. Sou capaz até de achar o Pollock bonitinho por conta disso. Brincadeira, isso também não dá.

Foram esses “caras”que me apresentaram uma mulher ainda mais ou também sensacional: Peggy Guggenheim (1898-1979). Quem me dera viver o momento que ela viveu entre as pessoas que conheceu.

Peggy poderia ser mais uma pobre menina rica por aí, mas não. Ela era inquieta e curiosa, apaixonada por coisas belas, por viver, por se apaixonar (mesmo que por alguns personagens da ficção). Filha de duas famílias riquíssimas judias, pai suíço-germânico e mãe americana. Peggy nasceu em Nova York e teve uma infância repleta de doenças que a impediram de ir a escola até os 15 anos.  Aos 14, seu pai morreu no Titanic, em 1912. Benjamin Guggenheim afundou com a amante. Em suas memórias, conta que sua mãe conseguiu um divórcio com data retroativa, para que ela fosse viúva antes do adultério (essa é das minhas!).

Antes de começar a colecionar arte, Peggy foi casada com o francês Laurence Vail (1891-1968). Conhecido como “Rei de Montparnasse”e Rei da Boemia, o escultor e poeta Dada fazia questão de acachapar Peggy, dizendo que ela não tinha talento ou conhecimento de arte como ele. Bom, claro que o casamento com o mala não durou muito. Ela teve dois filhos e se divorciou dele depois de um caso que ele teve com a ativista política Kay Boyle. Azar o dele!

A própria Peggy conta que a primera vez que viu uma pintura moderna, um quadro de Georgia O’Keeffe, o rodeou por uns dez minutos pra descobrir de que lado deveria observá-lo. Bom, o fato é que “talentosíssimo mala”surrealista “cheio de idéias”a colocou em contato com pessoas muito mais talentosas que ele e que viriam a se transformar em seus queridos aconselhadores e adorados amigos.

Foi com auxílio de Marcel Duchamp e Samuel Beckett que Peggy começou a comprar arte. A primeira aquisição foi um quadro de Vasily Kandisnky, chamado Dominant Curve, em 1938. A primeira tentativa de galeria foi em Londres, mas os anos que precediam a Segunda Guerra a fizeram perder muito dinheiro e logo depois a ocupação nazista da Europa a faz rumar para os Estados Unidos.

Peggy, com seus lhasas, ao lado de Pollock diante do primeiro mural encomendado por ela

Em Nova York, foi preciso que Piet Mondrian a convencesse do talento de Jackson Pollock. Só aos 32 anos começa, ele a receber um salário para produzir para Peggy. Casada com Max Ernest, ela começou a coleção que, na minha opinião, é uma das mais incríveis do mundo. Mark Rothko, o professor da Bauhaus Paul Klee, Ben Nicholson, Francis Bacon, muitos Picassos (que ela comprou por uma pechincha antes da guerra) fazem parte do seu acervo. Na festa de abertura da galeria museu, em 1942, chamada Art of this Century (Arte desse século) ela usou um brinco feito por Calder e outro feito or Tanguy, para demostrar imparcialidade entre abstratos e surrealistas.

Em 1947, passada a Guerra, Peggy resolve voltar para Europa. Compra um palácio (inacabado) à margem do Grande Canal em Veneza. Nessa casa de pedra branca, onde hoje há no jardim uma Wish Tree, de Yoko Ono, uma árvore onde as pessoas penduram seus desejos, eu sentie e quase chorei. Não chorei porque estava sozinha, se estivesse acompanhada talvez choraria. Mulher chorando sozinha na rua é deprimente.

Quando se abre a porta de entrada do casarão, além da vista para o canal de águas verdes, um imenso móbile de Calder continua no meio da sala, como na decoração original. Um Picasso azul (La Baignade) do lado direito e um branco cubista (L’Atelier) do lado esquerdo. No lugar onde era o quarto de Peggy, a cabeceira da cama que Calder fez pra ela continua lá, como as estatuetas de murano azul que Picasso a presenteou.

Solar: é esse o adjetivo que os venezianos usam para descrever o palácio e sua dona, Peggy

Peggy morreu aos 81 anos, em Pádua, vítima de derrame. Foi enterrada no jardim de seu palácio junto com seus adorados cachorros lhasa. Suas festas ainda são comentadas na cidade da bienal mais importante de arte. Peggy, além de ter feito a coleção mais importante de arte moderna do mundo, até a metade do século XX, era uma pessoa “solar”, como dizem os veneziados. Acolhia amigos e gostava de estar rodeada por gente interessante.

Até hoje, em sua casa, os visitantes costumam sentar-se no jardim, tomar um capuccino, uma taça de vinho e se deleitar com a paisagem, com as obras, com o trânsito de gôndolas e vaporettos do canal. Bem diferente dos apressados apreciadores, devoradores de sanduíches frios do EAT que freqüentam a Tate Modern. É… Sinto muito Tate, mas meu coração agora é veneziano.

A casa onde Peggy viveu e morreu, em Veneza, e hoje está parte (principal) de sua coleção

"Veil I,II&III", de Rashid Rana

Um pouco mais de perto.

"Veil I,II&III", de Rashid Rana (+perto)

Mais perto.

"Veil I,II&III", de Rashid Rana (++perto ou XX perto)

Ops… É isso aí, quando chegamos perto (é preciso aproximar o rosto da tela na galeria também), a imagem da burca, o véu usado por mulheres mulçumanas para preservá-las dos olhos libidinosos do mundo, é formada por centenas de imagens retiradas de revistas pornô, daquelas bem baratinhas. Ao mesmo tempo, Rashid Rana, um paquistanês de 42 anos, diz querer com a obra “Veil I, II & III” questionar a “objetificação” da mulher pela pornografia.

Rana, que mantém o ateliê na sua cidade natal, Lahore, a segunda mais importante do Paquistão, considerada a capital cultural do país, diz dessa maneira querer fazer o observador desconstruir o conceito pré-estabelecido como verdade, tenha o espectador nascido no Ocidente ou Oriente.

Rana, que não usa turbante ou tem o terceiro olho pintado, faz parte do elenco de 26 artistas de “The Empire Strikes Back: Indian Art Today”, a nova exposição da Saatchi Gallery. O nome da mostra é uma provocação ao período chamado”British Raj”, anos de dominação do exército britânico durante os anos de colonização na Índia. Depois de 1876, a união política dos dois países criou o Indian Empire. Numa tradução livre, nome da exposição seria “O Império Contra-ataca: a Arte Indiana Hoje”.

"Tales of Amnesia", de Chitra Ganesh

Esqueça os quadros de deusas hindus, os contornos dourados, os olhos marcado ou cores super fortes. A arte que vem daquela região do mundo é política, sexual e forte. As mulheres de burca, que mesmo depois de um ano aqui em Londres assistindo todos os dias elas cruzarem a minha frente ainda causam estranheza, é só um ponto. Estão lá as fotografias de mulheres mutiladas e o HQ sexy, chamado “Contos de Amnésia”, de Chitra Ganesh, 35. No quadrinhos, enquanto o enunciado fala da tradição, os personagens pensam e agem de maneira “ocidental”.

Na série provocação, o último andar ficou guardado para a americana  Emily Prince, 25, com a instalação “Soldados e Soldadas Americanos  que Morreram no Iraque e Afeganistão (sem incluir feridos, iraquianos  ou afegãos)”. A instalação, que já esteve na Bienal de Veneza de 2007,  traz desenhos feitos a lápis de retratos 3X4 de soldados mortos. A obra  permanece inacabada e é atualizada regularmente pela artista.

Boa seleção de artistas, sem resquício de curry ou mulheres em traje de  seda multicoloridos. Estive na abertura da mostra, em que uma curadora  do time de Charles Saatchi passeia com os visitantes pela mostra  explicando a mostra que abre com um discurso do Gandhi, no começo  dos anos 30, contra as taxas sobre o sal instituída pelos ingleses, feito  com ossos humanos, obra do indiano de Mumbai, Jitish Kallat, 36.

Os ingleses tomaram um susto. Confesso que também, mas fiquei puta comigo mesmo. É como se no Brasil todos os quadros e instalações tivessem como tema carnaval e futebol. Aliás, Saatchi está a procura de novos artistas brasileiros para um futura mostra. Me parece que cada vez mais contra estereótipos e chavões turísticos, as galerias de arte podem ser um excelente antídoto.

A japonesa Suki Cha faz videoarte e parece ser uma das favoritas

Nesta semana, a BBC 2 lançou um reality show chamado “School of Saatchi”. Esqueça o “Big Brother” e seus pares, trata-se de uma competição de arte televisionada, que intercala fascículos de aula de história, e supervisionada por Charles Saatchi (escrevi um perfil dele na Serafina que está hoje nas bancas). Ele é o galerista e colecionador de arte responsável por descobrir gente como Damien Hirst, Tracey Emin e Jeff Koons. Reuniu todos eles na exibição Sensation (1997) e assim fundou o grupo chamada de Young British Arstist, os YBA’s.

Dentre as milhares de inscrições, sobraram 12 participantes. Esses puderam apresentar seus trabalhos para uma banca formada pela artista Tracey Emin, o colecionador de arte (conhecido como o Saatchi do Norte), Frank Cohen, a curadora do Barbican Centre Kate Bush e, o crítico mais conceituado de arte contemporânea do Reino Unido, Mattew Collings.

Um a um, os candidatos tinham dois minutos para apresentar seus trabalhos e ao terminar eram questionados: “Por que você acha que isso é arte?”. Um dos pretendentes a pupilo de Saatchi amassou duas folhas de papel, dois e-mails impressos, colocou uma ao lado da outra e disse: “Isso representa a nossa comunicação hoje”. Foi desclassificado e saiu aos berros: “Vou encontrar alguém para fazer a minha cama!” Ele estava se referindo a instalação de Tracey, “My Bed”, que a revelou para a Saatchi e a colocou na lista curta do Tunner Prize, o principal prêmio de arte do país. Tá, a arte era meia-boca mesmo, mas o protesto foi ótimo.

Seis candidatos foram selecionados. Entre eles um paquistanês, que faz vídeo instalações questionando sua identidade cultural, uma japonesa que também trabalha com vídeo e quatro ingleses. Entre eles uma menina que fez os olhos de Tracey brilharem. Ela pendurou um apito num gancho e disse que havia ali conotação sexual. Nesse momento, entra um vídeo sobre Marcel Duchamp (1887-1968), um dos precursores da arte conceitual e o pioneiro na idéia de “ready made”. “Ela não criou uma peça, ele selecionou um objeto, retirando a função dele e colocou no museu”, explica a curadora Kate Bush.

Ben Lowe nunca frequentou escola de arte e trabalha por encomenda (faz quadro para combinar com sofá), o que irrita profundamente Tracey Emin

Ainda no primeiro epsódio, houve uma prova realizada a pedido de Saatchi. Uma mulher na casa dos 40 e tantos anos entrou no estúdio de roupão. Tirou e deitou nua em uma espreguiçadeira. Outro vídeo entra para contar a história do desenho vivo na história da arte. Além de deixar claro o que o anfitrião do programa está buscando. Os resultados foram quase engraçados. Só dois dos seis selecionados mostraram habilidade em desenho. Apesar de todos terem encenado aquele gesto clássico de segurar a ponta do lápis, virando-o para a horizontal e vertical, tentando medir as partes do corpo da modelo para dar proporção ao desenho. Muito bom e bem divertido. Mais divertido ainda é ouvir a Tracey fazer suas análises, com um palavreado que remete automaticamente à Aracy de Almeida (“Nunca ouvi tanta merda na minha vida…” ou “Por que você não coloca esse treco no Youtube?”), enquanto a curadora Kate usa o mais inglês mais “posh e polite” da TV britânica.

Saatchi não deu o ar da graça. Apareceu apenas numa imagem formada por uma fumaça (tudo bem, o padrão BBC é altíssimo, mas essa foi punk). Dizem que ele só aparecerá no quarto e último capítulo. Nos três seguintes, os candidatos terão que cumprir tarefas, dessa vez irão criar obras diante das câmeras. O vencedor participará da exposição Newspeak: British Art Now, que será realizada em 2010 em uma das galerias do Museu Hermitage, em São Peterburgo, na Rússia. Além de ganhar um estúdio bancado por três anos por Charles Saatchi e se tornar o próximo Damien Hirst ou Tracey Emin da arte contemporânea britânica.

"The Hoerengrancht", de Ed Kienholz

Durante a Segunda Guerra, os soldados não tinham permissão para “visitar”os bordéis de Amsterdã, na Red Light Zone (Zona da Luz Vermelha). Bom, então quando eles passavam pelas vitrines onde, no lugar de roupas ou pães, vendia-se sexo o que eles faziam? Ora, compravam presentes para as mães. Oi?

Explico. Sabe aquelas pavorosas estatuetas de cachorros de porcelana? Então, elas eram a senha. Se o cachorro estava de costas para rua, a prostituta estava ocupada. Quando eles estavam com o focinho virado para os passantes, os soldados entravam, batiam continência e quando voltavam para o pelotão levavam de lembrança a estatua “de presente para mamãe”. Como os soldados não podiam ser vistos negociando em frente às vitrines, eles perguntavam para as moças pelo preço do cachorro. É bem provável que seja essa a origem daquela cantada canastra e tão kitsch quanto o cão em porcelana: “o cachorrinho tem telefone?”

Essa é apenas uma das histórias que são contadas na exposição “The Hoerengracht”, ou em inglês “Whore’s Canal” e em português “Canal das Putas”, de Ed Kienholdz (1927–1994) e Nancy Kienholz, 66. Pela primeira vez uma instalação dessa natureza toma as galerias, repleta de mestres, da sisuda National Gallery, em Londres. Por aqui, os críticos já anunciam que o evento de arte contemporânea mais importante deste ano não terá o endereço da Tate Modern ou nenhuma das elegantes galerias do Leste londrino. Há dez anos, o curador da National Gallery diz que tenta levar essa instalação para o espaço. “Acredito que Kienholz deve subverter uma coleção de séculos”, disse ao Observer. E parece que conseguiu.

Ed nasceu em 1927. Segundo Brian Swell, o reverênciado crítico do Evening Standard, é o mais negligenciado e esquecido artista da Geração Beat dos anos 50, do escritor. A turma de Jack Kerouac, autor do clássico “Pé na Estrada”, contemporâneo de escritores como Allen Ginsberg e Norman Mailer. Suas imagens são desagradáveis e sujas, como o palavreado daquela geração. Para traduzir de uma forma simplista é mais ou menos o “te amo, porra”do cinema brasileiro, há uns 20 anos. Para muitos, Ed Kienholdz é o “pai da instalação”, o homem que fez obras mais provocativas do que a “A Cama”, (My Bed) de Tracey Emin, quando ela ainda usava fraldas.

Cliente nas ruas de "The Hoerengrancht"

“The Hoerengrach” é uma instalação que começou a ser feita nos anos 80 e só ganhou espaço em um museu 15 anos depois da morte de seu autor.  Ed e Nancy (sua quinta mulher) costumavam pagar 50 florins, o equivalente a cerca de 50 reais na extinta moeda holandesa, para entrarem na casa das trabalhadoras do sexo e, além de tomá-las como modelo, reunir informações. Uma delas é a história do cachorro de porcelana.

Hoje, a prefeitura de Amsterdã luta para levar jovens designers  e bistrôs para essa área, numa tentativa de acabar com o turismo sexual e degradante da área. Sem dúvida, a Red Light Zone é hoje mais “limpinha”; por isso o que Ed e Nancy (como assistente) fizeram é um documento de época. Quem for à National Gallery terá de andar entre as modelos de fibra de vidro em tamanho real como se fossem clientes. As famosas vitrines foram encolhidas, numa espécie de efeito “Alice no país das maravilhas”, depois de comer o bolo EAT ME (me coma). Pequenas molduras enjaulam o rosto ou o sexo das moças, em uma atmosfera suja, escura e mórbida.

Brian Swell, o velhote vai achar que estou apaixonada por ele e sinto muito citá-lo novamente, mas sim foi ele que fez um ponto interessante.  Vamos a ele: a primeira grande instalação de Kienholdz foi Roxy’s, em 1961, o interior de um bordel em tamanho real. Nele, pedaços de corpos de mulheres esquartejados podiam ser tocados ou manipulados por quem o visitava. No “Canal das Putas”, como em Roxy’s, a sensação que se tem é que ele representa a expressão de um homem para quem um dia o desejo sexual era uma força esmagadora, suprema. O que o fazia abrir os olhos pela manhã e agora não é mais (quando ele estava vivo, claro). Bom ponto.

Eu sempre me encanto com obras de casais, suspiro com a história de  Charles e Ray Eames (os designer americanos), o surrealista belga Renè Magritte que passou a vida pintando sua amada Georgette e até com a pancadaria de Mallory e Mickey Knox, em Natural Born Killers, de Oliver Stone (com Tarantino despontando). Essas são histórias realmente sexies, em que as mulheres aparecem inteiras, repletas de virtudes e defeitos, física e psicologicamente. E não em pedaços, como os seios da Penélope Cruz em “Animal Agonizante”, que conta a história de um professor velho e comedor, do então impotente (na minha opinião) escritor Philip Roth, que na época lutava contra um câncer de próstata. Swell diz, e eu concordo, que Kienholdz parecia um homem impotente, como um escritor velho e cansado esporrando palavras sujas em algum conto barato.

"Second Nature", Simone Koch

"New Empire", Andrew Curtis

Há cerca de dois meses, estive num debate na Mall Galley, uma galeria em Trafalgar Square a caminho de Buckingham, em que Brian Swell, o famoso crítico do Evening Standard, era um dos debatedores. O tema era o seguinte: Young British Artists estão mortos? O que virá depois?

Young British Artists são um grupo de artistas ingleses provocadores que fizeram muito barulho no começo nos anos 90. Eles foram garimpados e depois reunidos pelo colecionador e galerista Charles Saatchi, em 1997, na Sensation. A exposição escandalizou a Royal Academy of Arts londrina. Os expoentes do grupo são Damien Hirst (com o tubarão no formol), a Tracey Emin (com a cabana com o nome de todas as pessoas com quem ela havia dormido) e Sarah Lucas (com dois ovos fritos e um kebab, questionando a nudez feminina).

"11 Months, 17 days", Paul Knight

"Fall into gold", Susie Green

Desde então, eles são o que de mais novo acontece na arte inglesa. Mas parece que os quase cinqüentões estão surpreendendo menos. Ou a platéia e os galeristas querem mais? Não sei. Sei que Tracey, com sua obra super sexual e autobiográfica, disse que perdeu o “sex drive”, Hirst está pintando óleo sobre tela e Sarah Lucas não faço ideia.

Essa iquietação é tão explícita que na segunda-feira, 23, Charles Saatchi, famoso por ser recluso e reservado, vai estrear um programa na BBC2 chamado School of Saatchi. Será um reality show que pretende encontrar um novo expoente da arte contemporânea.

Enquanto isso, está aberta até 20 de dezembro uma outra exposição

"The Great Dionysian", Rebecca Plagerson

"Piss Pants", Amir Chasson

chamada “Blomberg New Contemporaries”. Ali, 48 alunos que acabaram de terminar a faculdade de arte, fotografia, ilustração, gravura, vídeo ou escultura expõem seus trabalhos. Para estar ali, eles passaram por uma banca que examinou por e-mail 10 obras de 1.300 estudantes. Feito a primeira catada, um caminhão do patrocinador da exposição viajou por todo Reino Unido para recolher fisicamente os trabalho de 100 finalistas. O resultado são os 48 trabalhos expostos na A Fundation, um casarão de red brick no leste londrino. Sem consultar a borra de café ou bola de cristal, fica impossível dizer quem explodirá dali. Mas alguns caminhos

"Elle", Sam Plagerson

Escultura de Jung-Ouk Hong

ficam evidentes.

1. Materiais baratos (nada de ouro, diamantes ou materiais espetaculosos). Pode ser também que nenhum deles ainda tenha encontrado um Saatchi pela frente como tutor e mantenedor.

2. Fotografia! Mas não apenas como documentário, mas novos estudos de luz (uns bem esquisistos por sinal, como uma garota que fotografou sex clubs poloneses) e texturas.

3.Figurativo, pelo amor de Brian Swell, que implora que os artistas voltem a aprender a desenhar para só depois descontruirem as figuras de suas pinturas ou escolherem o abstrato. Há menos, na verdade apenas uma, instalação, e há sim um retorno (se é que um dia ele se foi) ao figurativo.

Os trabalhos ali estavam todos a venda, com preços que variavam entre 500 e 2000 libras. Jay Joplin, o dono da White Cube e ex namorado da Lilly Allen, que hoje representa Tracey Emin apareceu por lá. Se alguém vai valer o que Damien Hirst vale hoje, sua última remessa de 25 telas foram vendidas por US$ 50 milhões, não se sabe. Mas o mais bacana desse evento, foi estar num ambiente que misturava de jovens artistas, ávidos para interpretar o olhar de quem observava o trabalho deles, novos curadores (como eu) e tarimbados galeristas e colecionadores, na busca de pechinchas que podem vir a custar milhões.

Se você fosse apostar, em qual desses oito que aparecem no post  você investiria?

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Francis Bacon (1952)

Frequentar a Central Saint Martins tem sido incrível. É o lugar onde está hoje o dínamo criativo da moda, da arte, do design e o caramba. Mas confesso, aula de história da arte eu tenho quando leio o  Brian Swell, o velhote arrogante e mal humorado que escreve no Evening Standand, na periodicidade que ele bem quer.

Bom, porque raios eu começo com esse blábláblá se ao lado está uma foto do Francis Bacon com algum bicho (sinto, mas não sei identificar – e nem quero) cortado ao meio?Porque o meu amado velhinho disse que o Damien Hirst deve lavar a boca com sabão quando diz que sua arte é inspirada na de Bacon . Será?

Francis Bacon (1909 – 1992) pode entar no top 10 dos artistas mais atormentados da história da arte. Apanhava do pai porque tinha asma na infância. Foi colocado pra fora de casa aos 17 porque o pai o flagrou se admirando no espelho, ao experimentar as roupas da mãe. Da casa dos pais, foi morar no Soho, em Londres, com ajuda de 3 libras por semana enviados pela sua mãe. Com Harcourt-Smith foi viver na Alemanha, na decadente da República de Weimar, pré-nazismo. Seu amante, que era um ex-militar do exército amigo do seu pai, o trocou depois de um mês de convivência por uma mulher. Bacon ficou sem rumo e muda-se para Paris, na década de 30, onde vê pela primeira vez uma exposição de Picasso. Bacon morreu em Madri, em 1992, quando visitava uns amigos, de ataque cardíaco.

Damien nasceu em 1965, em Bristol, sudoeste da Inglaterra. Viveu a “cool Britain”, o Reino Unido dos anos 90, que surgia como epicentro de coisas novas nas artes e na música (eletrônica). Sabe-se que ele apanhou um bocado para parar de beber. Ele costumava ligar para repórteres no meio da madrugada perguntando atrocidades como: “Não era você que tinha um cachorro de pêlo curto?”, como contou a repórter do Sunday Times, Sarah Thornton, em recente entrevista que fez com ele. As drogas químicas também parecem não fazer mais parte de seu cardápio.

"Figure with meat (1954)", de Francis Bacon

Bacon tinha fixação por fluidos humanos. Sangue, semêm, urina e afins estão sempre presentes e sua obra. O tema principal de Hirst é a morte.

Damien, assim como Bacon, tem o nome incrustado na linha da história da arte descrita por John Ruskin, um dos primeiros e mais importantes críticos da arte inglesa. É fato que o mundo passou a ouvir falar em bichos no formol depois que Damien explodiu na Sensation, exposição criada por Charles Saatchi, e quando criou a Friezi.

Mas justiça precisa ser feita. Bacon já pintava animais cortados ao meio em 1954. O holandês Jan Weenix (1640-1791) já pintava bichos destroçados pós caça no século 17. Damien releu isso para os anos 2000. Certo? Sem dúvida.

Também não há dúvida, que existe inspiração, ou como disse Picasso, apropriação, já que “bons artistas roubam e os maus copiam”.

No meu entender, apesar o debate sobre arte e animais, Damien leu (ou releu) isso para os anos 2000. Sabe de uma? Gosto cada vez mais do homem-tubarão.

Skrull with a lemon (2008)

O homem-tubarão havia se recolhido. Damien Hirst comprou uma casota, perto de seu mega-estúdio-fazenda, em Devon. Na casinha de madeira no meio do mato, que funcionava como posto de sinaleiro de trem, ele colocou uma chaminé, uma janela, levou sua border collie Lucy e pôs-se a pintar.

Óleo sobre tela. O homem do bezerro no formol, das prateleiras de diamantes e de pílulas agora passa horas sozinho, longe do barulho dos seus quase 100 aprendizes do outro estúdio, cercado por telas e tintas. Até o blackberry dele, que ele diz ser seu novo vício, fica desligado nesses momentos. Hirst não consegue pintar menos do que 12 telas ao mesmo tempo, senão ele fica “entediado porque parece que não tem o que fazer”. Numa entrevista ao The Sunday Times ele surpreedentemente disse: “Nunca imaginei que pudesse gostar do tempo de secagem da tinta óleo. Um branco pode levar uma semana para secar, enquanto alguns azuis levam só 24 horas. Nesse espaço, você tem tempo para pensar onde quer chegar com a pintura”.

Soa como poesia. Não como declaração do cara que desde 1988, quando ainda estava no segundo ano da Goldsmiths College, organizou a Frieze e a partir dali o mundo passou a ouvir falar de vacas cortadas ao meio e cifras nunca antes atingidas quando o objeto era arte contemporânea.

As 25 telas da série No Love Lost, Blue Paintings (Sem perder o amor, Pinturas em azul) estão expostas na Wallace Collection. Ele estar ali já é um acontecimento. O museu, que fica perto da elegante Bond Street, é fruto de uma coleção de família, conhecido pelo acervo de Titian, Rembrandt (com poses clásicas de mãe e filha), e Velasques. O próprio Hirst fez uma seleção de suas pinturas favoritas no museu (fica pro próximo post).

É sensacional ficar de longe, observando senhoras, as tradicionais english roses, levarem a mão à boca, em gesto de espanto, quando se deparam com a tela preta da “Caveira flutuante”, obra que abre a exposição. Na sala anterior, elas admiravam uma louça Lemoges do século 18.

As telas são quase pretas, todas num azul muito profundo. A série de caveiras não me diz nada, apesar de já estarem vendidas para um bilionário ucraniano, Victor Pinchuk, por 50 milhões de dólares. Hirst diz que sua pintura é inspirada em Francis Bacon e Brian Swell, o deliciosamente mal humorado crítico de arte do Evening Standard, afirma que ele deveria lavar a boca com sabão antes de dizer uma coisa dessas. Eu até acho que as linhas que extrapolam o desenho de Damien se assemelham ao “Estudo depois do retrato de Velasques do Papa Inocêncio”, de Bacon.

White roses and butterflies

Mas há dois guardiões, um contorno de corpo que observa uma floresta negra, com sombras de traços brancos delineando as árvores que são impressionantes. Lindos, escuro, estranho. A tela de despedida da sala, que tem as paredes cobertas em seda azul pastel claro e correntes pintadas da mesma cor como suporte das peças, é “White Roses and Butterflies” (Rosas brancas e borboletas). Num fundo escuro grosseiramente pintado, ele desenha um clássico vaso e flores brancas. As borboletas, pelos picos que fazem a tinta, dão a perceber que são resultado de um molde. Uma espécie de stencil, o mesmo criança usa pra copiar desenho, o mesmo que Gustav Klint usava para fazer as curvas de suas telas, o mesmo que Beatriz Milhazes usa para compor suas cores. É um assombro, mórbido, mas lindo.

No folder que apresenta a exposição, há uma frase de Hirst citando John Ruskin, um dos mais importantes críticos de arte da Europa, patrono da irmandade Pré-rafaelitas, grupo que tem como expoente John Millais, autor do clássico “Ofélia“. Hirst diz: “Gosto da idéia de arte de John Ruskin: existe uma linha inquebrável que nos liga e que retorna ao tempo das cavernas. Nós somos apenas recentes adições”. Também concordo que essa linha exista, e sem dúvida Hirst faz parte dela. Ironicamente, característica intrínseca de sua obra, ele coloca uma natureza morta, num dos lugares mais improváveis para qualquer coisa que leve a assinatura dele.

Quem passar por aqui, vale dar uma olhada, a exibição é gratuita o que é raro para exibições especiais. Quem não puder vir pessoalmente, pode dar uma passeio via Youtube. Definitivamente não é a mesma coisa, a tinta é tão fresca que ainda dá pra sentir o cheiro, mas já dá pra ter uma bela idéio do trabalho. O que vocês acham?

O tcheco David Cerny colocou Sadam Hussein no formol. Bom?

Sexta-feira à noite, o Channel 4 passava a viagem gastronômica de Jamie Oliver pelos Estados Unidos. Tudo ia bem, (taco em Los Angeles, burguers em NY…) eis que ele pega uma pistola e, junto com uma família da Louisiania, vai a um lago caçar o crocodilo do jantar. Não sei o que eu esperava, mas meia dúzia de tiros na cabeça do jacaré te garanto que não era.  Só faltou o grito clássico dos policiais americanos: “die, mother fucker!”

Uma vez, uma amiga, durante uma viagem romântica pela serra do Rio, parou numa fazenda de trutas. O casal escolheu o peixe gordinho que saboreariam no almoço. Com uma rede o dono do trutário pegou o peixe e quando ele estava fora d’água (pau!) deu uma tremenda porrada na cabeça da truta. A violência da pancada, que fez os olhos do bicho esbulgalhar, e o barulho do porrete na cabeça da truta (pau outra vez), acabaram com o almoço. O bicho abatido ficou no prato e casal, sem clima, voltou pra São Paulo.

Na Revista da Folha, escrevi em 2007, sobre um artista porto-riquenho chamado Guillerme Vargas, conhecido como Habacuc. O rapaz tinha como instalação um cachorro, que havia sido capturado na rua, amarrado num canto da galeria à mingua. A proposta era ver o bicho morrer de fome. A dona da galeria me disse na época que o cachorro era alimentado com ração, mas como cachorros “vadios” (de rua em espanhol) não estão acostumados com aquele tipo de comida, “ele tinha emagrecido um pouco”. Sei. Sei que o barulho foi tanto que dias depois o bicho, graças a um vigia destraído, fugiu da galeria. Ufa!

Mas porque eu estou misturando tudo isso? Também não sei se as coisas se conectam, mas fui ver a Pop Life, exposição da Tate Modern sobre a qual dediquei meu primeiro post. Lá estava o famoso bezerro de 18 meses de Damien Hirst em seu tubo de formol, “The Golden Calf”. Aquilo me incomodou. De longe, eu sempre citei esse trabalho, mas dar de cara com ele é outra coisa (esse é um dos motivos pelo qual eu tão tardiamente comecei minha vida nessa blogosfera. Acho que nada substitui a vida real, mas essa é outra conversa…).

O pêlo da orelha do bezerro é tão fininho que parece que o bicho era saudável, pelo menos a saúde de cachorro se avalia pela qualidade do pêlo. Então ele foi abatido para estar ali? Me deu um incômodo semelhante ao que o crítico do Evening Standard, Brian Sewell, sentiu ao ver as esculturas espanholas do sacrifício de Cristo, do século 17, que estão na National Portrait Gallery. Esse velhinho super mal humorado diz que uma das características da boa arte é que você não pode suportá-la (ele não suporta o Damien Hirst), mas o sentido que ele diz é o da aflição e angústia.

Então eu suportei o tubarão (talvez porque ele tenha a pecha de mau), mas não suportei o bezerro (e se ele fosse um bezerro maldito? Vai saber).

Achei uma crueldade o Jamie Oliver atirar no jacaré, mas não resisto a um fígado de ganso. Defitivamente não vou pro céu. Também não tenho menor saco pra papo de vegetariano que quer salvar o planeta. Na boa, dá ir salvar outro planeta e me deixar em paz?!

Quando estive em Praga, na República Tcheca, achei um discípulo do Damien Hirst, chamado David Cerny, na galeria Dvorak Sec Contemporary. No lugar de bichos, ele colocou o Sadam Hussein no formol. Não me incomodou em nada. Deve ser meu instinto maligno.

"I love orgasms"

Quando  Tracey Emin apareceu com a instalação “My Bed”, uma cama desarrumada rodeada por camisinhas usadas, lubrificantes, bitucas de cigarro e afins, Charles Saatchi não hesitou em transformá-la em uma das estrelas da “Sensation” (1997). A exposição que reuniu e fundou o grupo da geração 90, o Young British Artists (YBA).

Tracey (e sua boca suja e torta) era, até então, a menina má do grupo que tem Damin Hirst como expoente. Mas outra garota, também garimpada por Charles Saatchi (o marido da Nigela Lawson, porque eu adoro a Nigela!), está tomando o trono que um dia foi de Tracey. O posto de senhora polêmica da arte inglesa.

Sarah Maple, tem 24 anos, é de origem mulçumana, mas cresceu em Sussex (grande Londres). Sua obra, tão sexual e autobiográfica quanto a da Tracey, questiona as diferenças de cultura entre ocidente e oriente, segundo ela.

A moça pinta imagens como um retrato dela mesma inteiramente coberta por uma burca preta com um broche, estilo I love NY, com a mensagem “I love orgasms”. Ou uma mulher nua, deitada com um passaporte britânico entre as pernas. Perturbador, sem dúvida. Tão perturbador, que a galeria onde estão expostas suas telas em Notting Hill  é vítima de ovadas na vidraça toda madrugada. Toda manhã, antes de começar o expediente alguém precisa lavar a vitrini. O diretor da galeria disse à BBC que não chamava a polícia porque a indignação das vizinhas não deixava de ser algum tipo de repercussão à arte de Sarah. Muito bom.

A burca e os mulçumanos são tema constante de páginas de jornal e noticiários por aqui. “Sarkozi quer banir a burca na França”, “mulheres mulçumanas se recusam a mostrar o rosto na fronteira inglesa”, “a arquitetura inglesa é transformada pelos  templos mulçumanos…” Sem dúvida Sarah faz um tipo de arte que retrata nosso  tempo. Eu vou ficar de olho nela. Acho que essa “little dirty lady” ainda há de desvelar  um  bocado de coisas.